31 großartige Alben aus dem Jahr 2023 bisher (1. Quartal)

Aug 08, 2023

Das erste Quartal 2023 ist zu Ende! Das Wetter wird wärmer, es ist also viel mehr großartige Musik für den Frühling unterwegs, und es ist auch eine gute Zeit, sich über einige der großartigen Musikstücke zu informieren, die dieses Jahr bereits herausgekommen sind. Es ist noch zu früh im Jahr, um mit der Rangfolge zu beginnen, aber wir haben eine alphabetische Liste von 31 Alben zusammengestellt, die zwischen Januar und März veröffentlicht wurden und die wir Ihnen wärmstens empfehlen, sich anzuhören, falls Sie es noch nicht getan haben. Lesen Sie weiter für unsere Auswahl. Was sind bisher deine Lieblingsalben des Jahres 2023?

Algier - ShookMatador

Nach drei Alben genreübergreifender Protestmusik liefern Algiers mit Shook ihr bisher großartigstes Statement ab. Die Band, die 2012 von den Atlanta-Musikern Franklin James Fisher, Ryan Mahan und Lee Tesche gegründet wurde und später ihre vierköpfige Besetzung mit dem Original-Bloc-Party-Schlagzeuger Matt Tong festigte, entschied sich bei Shook für etwas gemeinschaftlicheres und engagierte Gastsänger Diese reichen von einigen der Anführer der heutigen Underground-Rap-Landschaft (Billy Woods, Backxwash) über Zack de la Rocha von Rage Against the Machine, den Rap-Veteranen Big Rube aus Atlanta bis hin zu Indie-Musikern wie Samuel T. Herring von Future Islands und Mark von The Make-Up Cisneros und Jae Matthews von Boy Harsher sowie eine Vielzahl anderer. Die große Vielfalt der Gäste macht auf Shook, einem ausgedehnten Album mit 17 Songs, das sich nicht einfach in eine Schublade eines bereits existierenden Musikstils einordnen lässt, vollkommen Sinn. Wenn ich es mit etwas vergleichen müsste, dann wäre es eine Geistesverwandtschaft mit War's Klassiker „The World Is A Ghetto“ aus dem Jahr 1972. Wie dieses Album wurzelt es in psychedelischem Soul und sozial/politisch bewussten Texten, aber statt Rock und Funk im 70er-Jahre-Stil enthält es modernen Punk und Hip Hop. Die Rhythmen sind elektrisierend, die Arrangements atemberaubend und das Album ist voll von wirklich beeindruckenden Gesangsdarbietungen von Algiers und ihren Gästen. Auf Shook passiert so viel, aber um es in einem Wort zusammenzufassen: intensiv.

Weitere Informationen zu diesem Album finden Sie in der Track-by-Track-Aufschlüsselung der Band.

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Billy Nomates - KAKTEENEinfallen

Als Billy Nomates gab Tor Maries eines der auffälligsten Debüts des Jahres 2020 und verwandelte sich von einer Folk-Pop-Künstlerin in ein freches Original, das keine Angst davor hatte, seine Meinung zu äußern und sich jeder einfachen Schublade widersetzte. Es half ihr, dass sie in Sleaford Mods und Geoff Barrow (Portishead, Beak>) Mentoren fand, die sie ermutigten, ihre eigene Stimme zu finden. Es war jedoch schwierig, eine Karriere neu zu starten, während die Welt zusammenbricht und all die Ängste, Selbstzweifel und Wut, die die letzten drei Jahre mit sich gebracht haben, in ihr hervorragendes zweites Album einfließen. Sie klingt immer noch wie niemand sonst. Mit ihrer warmen Stimme und ihrem Umgang mit Melodie und Harmonie klingen diese Songs so, als hätten sie twangige New-Wave-Hits für Juice Newton oder Kim Carnes im Jahr 1980 oder Pop-Country-Chartstürmer in den 90ern sein können – abgesehen von Tors DIY-Produktion und Arrangements voller seltsamer Synthesizer und Post-Punk-Elemente ziehen sie in andere Richtungen. „Saboteur Forcefield“ hat New Order genauso viel zu verdanken wie New Nashville, und CACTIs Titelsong ist wie Reba McEntire als Frontmann von Depeche Mode aus der Violator-Ära. Maries' Stimme und Persönlichkeit tragen das Ganze und lassen alles so natürlich klingen wie Songs, die für den Debüt-Platz auf Platz 1 entwickelt wurden.

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Boygenius – Das RecordInterscope

Als Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus zum ersten Mal als Boygenius zusammenkamen, hatten sie ursprünglich nur vorgehabt, eine 7" zu machen, die auf ihrer gemeinsamen Tour 2018 verkauft werden sollte. Als sie mit dem Schreiben begannen, brachten sie eine längere, mittlerweile beliebte EP, und in den folgenden Jahren trat das Trio weiterhin gemeinsam an Songs auf, darunter Titel auf Hayley Williams‘ Album „Petals For Armor“ aus dem Jahr 2020, Phoebes Album „Punisher“ aus dem Jahr 2020, Juliens Album „Little Oblivions“ aus dem Jahr 2021 und Lucys Album „Home Video“ aus dem Jahr 2021. As Wie wir jetzt wissen, schickte Phoebe Julien und Lucy eine Woche nach dem Erscheinen von Punisher ein Demo und fragte, ob das Trio wieder eine Band sein könnte. Dieses Demo war von „Emily I'm Sorry“, einem der 12 Tracks, aus denen Boygenius besteht Das erste Album in voller Länge, The Record, ist jetzt über ihr neues Major-Label Interscope Records erhältlich. Das Trio hat im Laufe der Jahre bewiesen, dass die Chemie über die Jahre so natürlich ist, und das setzt sich auch im gesamten Album fort. Die unverwechselbare Stimme und Stimme jedes Mitglieds Der Songwriting-Stil glänzt an verschiedenen Stellen und die Platte wird immer dann auf eine andere Ebene gehoben, wenn die drei zusammen harmonieren. Die Platte ist voll von herrlich intimen Indie-Folk-Songs, für die diese drei bekannt sind, aber auch harte Rocksongs wie „Satanist“, „Anti-Curse“ und „$20“, der letzte Das ist ein seltenes Boygenius-Lied mit Schreien. Und dann ist da noch „Not Strong Enough“, das nicht nur an Sheryl Crows „Strong Enough“ erinnert; Es ist außerdem ein klirrender Folk-Rock-Song, der so klingt, als hätte er ein Hit für Crow in den 90ern oder frühen 2000ern werden können. Es handelt sich um eine subtil abwechslungsreiche Platte, und je mehr man zuhört, desto mehr neue Songs stechen als potenzielle Highlights hervor. Es ist voll von cleveren Wendungen, melodischen Überraschungen, ebenso vielen Anspielungen auf die Popkultur wie ihre jüngsten Fotoshootings (darunter Songs mit den Titeln „Leonard Cohen“ und „Revolution 0“) und all der gesprächigen, aber dennoch verheerenden Lyrik, die man von diesen erwarten würde drei.

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Caroline Polachek – Desire, I Want To Turn Into YouSony/The Orchard/Perpetual Novice

Vom M83-artigen „Welcome To My Island“ (das das Album eröffnet) über die karibischen Rhythmen von „Bunny Is A Rider“, den Flamenco-Pop von „Sunset“, den keltischen Dudelsack in „Blood and Butter“ bis hin zum Stottern Produktion und Chorgesang von „Billions“, allein schon bei den Singles war klar, dass Desire über eine große Bandbreite verfügt und der Rest des Albums folgt diesem Beispiel. Ein Abschnitt gegen Ende des Albums reicht nahtlos von Ambient-Pop („Hopedrunk Everasking“) über Folk-Pop („Butterfly Net“) bis hin zu Trip-Hop („Smoke“), ohne einen Takt auszulassen. Ein Song („Fly To You“) verbindet Breakbeats mit Folk-Gitarre und enthält Gaststimmen von Grimes und Dido, zwei Künstlern, die auf ganz unterschiedliche Weise den Weg für Carolines Musik geebnet haben. „[Dido] Art, einen ganz natürlichen, fast volkstümlichen Ansatz des Popgesangs mit einer sehr zeitgenössischen elektronischen Produktion zu verbinden, war für mich sehr einflussreich“, sagte Caroline kürzlich in einem Vulture-Beitrag. Carolines Mix aus akustischer und elektronischer Instrumentierung hat Desire außerdem bereits mehrfach mit Madonnas „Ray of Light“ verglichen, während ihre überaus beeindruckenden „Haters-will-say-it's-auto-tuned“-Gesangsläufe ihr Vergleiche einbringen, die von Björk über Enya bis hin zu Imogen Heap reichen. Sie scheinen alle akkurate Vorfahren zu sein, und es ist verlockend, Vergleiche anzustellen, wenn man hört, wie jemand seine Stimme so kreativ einsetzt wie Caroline, aber noch wichtiger als alle musikalischen Ähnlichkeiten wird Caroline in einem Atemzug mit diesen und anderen Grenzen genannt Sie treibt Künstler voran, weil sie Popmusik ganz nach ihren eigenen Vorstellungen macht. Lesen Sie hier mehr.

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DEBBY FREITAG – VIEL GLÜCKSub Pop

Nach einem Jahrzehnt als Teil der kanadischen Underground-Musikszene, nachdem sie einige Zeit in Montreal, Vancouver und jetzt Toronto verbracht hat, zeigt die in Nigeria geborene Künstlerin DEBBY FRIDAY mit ihrem abendfüllenden Debüt ihr Debüt. Wie auf ihren EPs Bitchpunk und Death Drive widersetzt sich DEBBY jeder einfachen Kategorisierung und mischt Rap, Elektro, Post-Punk, Industrial, Techno und mehr zu einer glitchigen, blutigen und bitcrusted Mischung, die feurig, anziehend und ganz ihr eigen ist. In Zusammenarbeit mit Graham Walsh von Holy Fuck (siehe unten in derselben Kolumne mit Noble Rot) ist GOOD LUCK voller Dramatik, Licht und Hitze, Lärm und Schönheit und einer Handvoll Killer-Jams. Darunter: „So Hard to Tell“, eine mitreißende Ballade, die an die kanadischen Kollegen Purity Ring erinnert; Techno-Brenner „I Got It“ featuring Unas; und ein weiterer Four-on-the-Floor-Ritter, „Hot Love“, der erst richtig zum Leben erwacht, wenn der Titel gerufen wird. Diese kommen früh und hintereinander, aber GOOD LUCK lässt nicht nach, obwohl es abstrakter wird, uns durch Schrottplatz-R&B führt und mit dem intensiven „Pluto Baby“ seinen Höhepunkt erreicht, das mit dem ätherischen, krachenden „Wake Up“ verschmilzt. – aber viel Glück beim Durchschlafen dieses fesselnden, originellen Werks.

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Fever Ray – Radikale RomantikerStumm

„Wir kommen nicht mit einem Handbuch“, singt Karin Dreijer auf „Looking for a Ghost“ von ihrem dritten Album als Fever Ray, mit einer Stimme, die durch Effekte über tickenden Percussions mutiert ist, wie eine aufziehbare mechanische Puppe. Liebe ist seltsam und es erfordert viel Arbeit, sie am Leben zu erhalten, ein Thema, das sich durch alle Radical Romantics zieht. Wenn Plunge 2017 Dreijer war, der frisch draußen war und sich den Wundern des Herzens widmete, dann ist dies die schwierige Aufgabe, es am Laufen zu halten, nachdem die Leidenschaften abgekühlt sind und die Realitäten des Lebens wieder einsickern. Realität ist ein geladenes Wort in Fever Rays Welt, voll voller verzerrter Stimmen und beunruhigender Charaktere (noch mehr in ihren Videos), aber trotz aller gruseligen Geräusche präsentiert Radical Romantics im Kern viele erkennbar menschliche Emotionen. Liebe, Wut und alles dazwischen, alles gefiltert durch Dreijers unverwechselbaren Stil.

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Feuerwerk – Higher Lonely PowerFuneral Plant Collective

Soweit man das beurteilen konnte, legten Fireworks am Ende ihrer Tournee 2015 eine Pause ein, aber hinter verschlossenen Türen arbeiteten sie an ihrem vierten Album, ungehindert durch die Anforderungen des Tourneens oder die Erwartungen von Plattenfirmen und Standard-Albumzyklen. Im Jahr 2019 tauchten sie mit der Single „Demitasse“ wieder auf, einem ehrgeizigen Art-Rock-Song, der eine ganz andere Seite von Fireworks zeigte als die, die auf den Indie-freundlichen Pop-Punk-Platten zu sehen war, die während ihrer ersten Veröffentlichung veröffentlicht wurden. Zusammen mit der Veröffentlichung des Songs kündigten sie ihr neues Album „Higher Lonely Power“ an, doch ein paar Monate später kam COVID und Fireworks zog sich erneut aus der Öffentlichkeit zurück. Im Herbst 2022 gingen The Wonder Years mit Fireworks auf Tour und markierten damit die ersten Auftritte der Band seit sieben Jahren. Am Neujahrstag 2023 veröffentlichten sie schließlich „Higher Lonely Power“ und veröffentlichten es selbst auf ihrem eigenen Label Funeral Plant Collective weniger als 12 Stunden Vorwarnung und keine Vorab-Singles.

„Demitasse“ ist nicht auf dem Album, gab aber den Ton an. Higher Lonely Power ist eine Art-Rock-Reise durch mitreißende Streicharrangements, Breakbeats, Synthesizer-inspirierten Dream-Pop und bissigen Post-Hardcore. Es erinnert an alles von Sufjan Stevens‘ Age of Adz über Radioheads Kid A und The Notwists Neon Golden bis hin zu den düstereren, künstlerischeren Momenten von Arcade Fire, aber es hat immer noch die Energie einer Band, die aus der Emo-/Punk-Welt kommt klingt immer noch wie Feuerwerk. (Und für einen eher Emo/Punk-Welt-Vergleich fällt mir „Nearer My God“ von Foxing ein.) Während sich Fireworks ihren Weg durch diese atemberaubenden, formverändernden Arrangements bahnen, setzt sich Sänger Dave Mackinder mit christlichen Traumata, dem Tod und den wechselnden Perspektiven von Künstlern auseinander sind neun Jahre älter als damals, als wir das letzte Mal von ihnen hörten, und die Tage, als die Mitglieder von Fireworks sich freiwillig bereit erklärten, Pfizer neue Medikamente an ihnen testen zu lassen, damit sie etwas zusätzliches Geld verdienen konnten („Ich wachte mit Angst vor dem Sterben auf, als wir dachten, es wäre so lustig"). Es ist ein Album, das man von Anfang bis Ende hören muss, ein Album, bei dem kein einzelner Titel die volle Bandbreite von allem bieten kann, was Fireworks hier zu bieten hat. (Wenn ich jedoch einen Song auswählen müsste, um Ihnen zumindest einen Eindruck von der grenzenlosen Kreativität des Albums zu vermitteln, würde ich wahrscheinlich „Jerking Off the Sky“ sagen.) Es ist ein Album, das so umfangreich und sorgfältig arrangiert ist, dass man sich die Ausgaben von Fireworks wirklich vorstellen kann Ich habe in den letzten neun Jahren jedes noch so kleine Detail richtig gemacht, und das Warten hat sich gelohnt. „Higher Lonely Power“ ist so bemerkenswert, dass Kultklassiker wie „Gospel“ von 2011 im Vergleich wie Aufwärmübungen wirken.

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Fucked Up – One DayMerge

„Nachdem wir uns mit „Year of the Horse“ in die Fantasiewelt zurückgezogen haben, ist dieses Album so, als würden wir ins wirkliche Leben zurückkehren“, sagt Fucked Up-Sänger Damian Abraham über das sechste richtige Album der Band, „One Day“. Es trägt den Titel „One Day“, weil Gitarrist Mike Haliechuk die Grundgerüste dieser Songs an einem einzigen Tag geschrieben und aufgenommen hat und die Aufnahmen dann von Bandmitglied zu Bandmitglied weitergegeben hat, die ebenfalls nur einen Tag Zeit hatten, um ihre Parts zu schreiben und aufzunehmen, und das hat Sinn Die Dringlichkeit hat dazu beigetragen, dieses Album zu einem der kürzesten, bodenständigsten und traditionellsten Fucked Up-Punk-Alben zu machen. Es hat die typische Fucked-Up-Formel, klassischen Punk und Hardcore mit allem zu vermischen, was ihnen sonst noch in den Sinn kommt, und Damians unverwechselbares Bellen mit aufsteigendem, melodischem Hintergrundgesang zu kontrastieren, mit ein paar Umwegen wie dem langsamen „Falling Right Under“ und dem Mike Von Haliechuk gesungener Power-Pop von „Cicada“. Es ist eine Platte, auf der „Fucked Up“ oft am prägnantesten und eingängigsten ist; Ich würde es eine Rückkehr zur Form nennen, aber in Wirklichkeit haben Fucked Up kein vergleichbares Album in ihrem Katalog.

Um eine noch bessere Vorstellung davon zu bekommen, was dieses Album geprägt hat, haben wir Damian und Schlagzeuger Jonah Falco gefragt, was ihre Einflüsse für One Day waren, und beide gaben sehr detaillierte Antworten, wobei die Antworten von den Adolescents über The Undertones bis zum Tod von Riley Gale reichten. Wade Allison und Gord Downie, zu verschiedenen Lebens- und Familienerfahrungen und vielem mehr. Lesen Sie hier, was sie zu sagen hatten.

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Gel – Nur ConstantConvulse

Der Titel auf dem Debütalbum der NJ-Hardcore-Band Gel, der die meisten Leute zum Reden zu bringen scheint, ist überhaupt kein richtiger Song. „Calling Card“ ist ein stimmungsvoller Zwischentitel, der aus Voicemails von Fans besteht. Einer von ihnen sagt „Hardcore für die verdammten Freaks“, ein Satz, der zu Gels De-facto-Slogan geworden ist. „Seit den Anfängen von Gel haben wir uns nie – in Ermangelung eines besseren Ausdrucks – mit der breiteren Hardcore-Welt verbunden“, sagte Gitarrist Anthony Webster kürzlich in einem Stereogum-Beitrag. „Besonders jetzt, nach der COVID-Krise, gibt es viele junge neue Kids und viel Widerstand gegen diese neuen Kids von Stimmen aus dem breiteren Hardcore-Bereich. Und ich möchte einfach nicht die Person sein, die sie wegstößt. Also denke ich.“ Das ganze „Hardcore für die Freaks“-Ding haben wir etwa 2019 übernommen, und jetzt fühlt es sich wirklich richtig an.“

Gel wurde 2018 mit drei Mitgliedern gegründet, die zuvor in der Power-Violence-orientierten Band Sick Shit gespielt hatten, und sie stiegen allmählich auf, mit einer Reihe immer besserer Demos, EPs, Promos und so vielen Live-Shows, wie sie spielen konnten. Als sich die Welt aus dem Lockdown erholte, ging es richtig los: Gel sorgte für mehr Aufsehen als je zuvor mit ihrer EP „Violent Closure“ aus dem Jahr 2021 und ihrer Trennung von „Cold Brats“ aus dem Jahr 2022, und jetzt kommt „Only Constant“ als Höhepunkt von allem, was Gel war hinarbeiten. „Hardcore für die Freaks“ beschreibt es perfekt; Es gibt etwas Garagen-Psychedelia, es gibt rohen Punk, es gibt Chuggy-Hardcore, es gibt einen Dance-Beat, es gibt eine melodische Stimmung, obwohl Sänger Sami Kaiser immer so klingt, als würden sie ihre Stimmbänder auseinanderreißen. Nur Constant klingt antagonistisch, aber Gel ist völlig einladend. Für so viele verschiedene Arten von Hardcore-Fans ist etwas dabei, und da Gels Shows immer größer werden, gibt es Platz für alle Freaks, die sich im Graben treffen können.

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Gina Birch – Ich spiele meinen Bass lautDritter Mann

„Das Album bündelt meine Jahre meines musikalischen, politischen und künstlerischen Lebens mit diesen Genre-brechenden Songs“, sagt Gina Birch von The Raincoats über ihr erstes Soloalbum überhaupt. „Es ist ein persönliches Tagebuch mit Sounds und Texten, voller Spaß, Wut und Geschichtenerzählen.“ Das bringt es auf den Punkt. Produzent Youth versteht es, das Beste aus Künstlern herauszuholen und eine angenehme Atmosphäre zu schaffen, die es ihnen ermöglicht, sie selbst zu sein, und es ist klar, dass er und Birch sich gut verstehen. „I Play My Bass Loud“ ist großartig, witzig, schlau, wütend und nie weniger als unterhaltsam – ein Protestalbum, das das Tanzen nicht vergisst. Das alles wird in „I Will Never Wear Stilettos“ deutlich, wo sie über dubbige elektronische Untermalung singt: „My Feet are ecstatic in Doc Martens / They love Blue Suede Shoes / They love white Polish waitressing shoes / Never wear Jimmy Choos“. Die Songs wirken wie Schilder, wirken aber eher inklusiv und herausfordernd als belehrend, selbst bei einem JAMC-artigen, zischenden Naturgewalt-Song wie „I Am Rage“.

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Herzwürmer – eine tröstliche VorstellungSpeedy Wunderground

Unter der Leitung des Musikers und Dichters Jojo Orme wurden die Londoner Heartworms im Jahr 2020 gegründet, machten sich jedoch schnell einen Namen mit ihrer eleganten Marke aus ausgesprochen düsterem Post-Punk und intensiven Live-Shows. Orme, die Siouxsie & The Banshees, PJ Harvey und Interpol als Haupteinflüsse nennt und ihren Stil als „Gothic-Militärfee“ beschreibt, scheint auf ihrer beeindruckenden Debüt-EP, die von Dan Carey produziert und veröffentlicht wurde, die ganze Sache der Heartworms verstanden zu haben über sein Label Speedy Wunderground. Hier gibt es starke Post-Punk-Revival-/Nu-Rave-Vibes, insbesondere Bloc Party, die man im besten Song der EP, „Retributions Of An Awful Life“, spüren kann, einem zackigen Disco-Brenner, der ins Schwitzen kommt, während Orme cool bleibt. vornehme Sätze wie „Wenn man jung ist, machen Entscheidungen keinen Spaß.“ Careys Inszenierung ist inspiriert und trägt dazu bei, Heartworms je nach Bedarf von klaustrophobisch auf Breitbild umzustellen, wobei Orme von einem trockenen, gesprochenen Flüstern zu einem Wehklagen in den Himmel übergeht. Alles mit so viel Selbstvertrauen und Elan und guten Melodien, dass es fast so ist, als hätte es die 2000er nie gegeben.

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ICECOLDBISHOP – Generational CurseEpic

Der Rapper ICECOLDBISHOP aus South Central LA ist seit einigen Jahren auf dem Vormarsch – er hat mit Größen wie Slowthai, Rico Nasty, Denzel Curry, Boldy James und anderen zusammengearbeitet – und jetzt hat er endlich sein Debütalbum Generational Curse herausgebracht . Auf dem gesamten Album erweist er sich als äußerst charismatischer Rapper, der in seiner theatralischsten Form wie eine Mischung aus allen drei Flatbush-Zombies und Kendrick Lamar klingt, und der Hauch der Verzweiflung in seiner Stimme passt wirklich zum Thema. Auf „Generational Curse“ taucht auf Schritt und Tritt ein tragischer Tod auf, sei es durch Drogenabhängigkeit oder Schießereien, und ICECOLDBISHOP klingt oft so, als würde er sich in Echtzeit mit Trauer auseinandersetzen. Wie so viele große Rapper vor ihm ist er ein geborener Geschichtenerzähler, der in der Lage ist, der Welt die Augen für die Armut, Gewalt und den institutionellen Rassismus zu öffnen, die Viertel wie das, in dem Bishop aufgewachsen ist, plagen. Er tut dies mit der nötigen Kompetenz ein Mensch, der einem die ganze Zeit direkt in die Augen schaut und dessen Gespür für Beats, Melodien und Arrangements ebenso fesselnd ist wie seine düsteren Geschichten.

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Ice Spice – Wie...?10K Projects/Capitol

Die Bronx-Rapperin Ice Spice und ihr Produzent RIOTUSA begannen 2021 gemeinsam mit der Veröffentlichung von Singles und eroberten 2022 mit „Munch (Feelin‘ U)“ die Rap-Welt im Sturm. Mit der ruhigen Darbietung von Ice Spice und der Fähigkeit, eine clevere Zeile sofort in eine klassische Hookline zu verwandeln, gab „Munch“ dem NY-Drill-Sound, der die Stadt in den letzten Jahren dominiert hat, eine neue Note und wurde schnell zum New York Rap-Song des Sommers. Ice Spice bewies, dass es kein Zufall war, und folgte mit „Bikini Bottom“ und „In Ha Mood“, die die gleiche Formel erfolgreich wiederholten und die wachsende Fangemeinde von Ice Spice genauso schnell für sich gewannen wie „Munch“. Heute folgt auf diese Songs ihr erstes Projekt, The Like..? EP mit allen drei aktuellen Singles und drei neuen Songs, vollständig produziert von RIOTUSA. Mit „Prinzessin Diana“ behält sie ihre typische Drill-Variante bei, aber wie …? Außerdem fängt Ice Spice an, mit einigen anderen Ideen zu flirten. Ice Spice rekrutiert Lil Tjay für einen Song, der nach dem verstorbenen Gangsta Boo benannt ist und P. Diddys Single „I Need a Girl Part 2“ aus dem Jahr 2002 probiert, und dabei mischt Ice Spice ihren üblichen Sound mit ein wenig Y2K-Ära-Nostalgie. „Actin A Smoochie“ bietet RIOTUSA eine langsamere, atmosphärischere Produktion, die auf eine Drake-Platte aus den frühen 2010er Jahren passen könnte, und Ice Spice passt zur Stimmung mit etwas etwas Sentimentalerem. Bei sechs Songs in 13 Minuten scheint es ein guter Schachzug zu sein, mit einer EP zu beginnen, anstatt direkt zu einem Album oder Mixtape überzugehen. Das kurze Format ist perfekt für die kurzen, unverblümten Songs von Ice Spice und Like..? deutet darauf hin, dass sie zu mehr fähig ist, als sie uns bereits gezeigt hat, ohne zu weit von ihrem bereits erfolgreichen Rezept abzuweichen. Ich bin sehr gespannt, was sie macht, wenn es an der Zeit ist, ein Album in voller Länge zu veröffentlichen, aber im Moment: Wie...? fühlt sich an wie eine nette, schlanke Einführung in einen Rapper, der eindeutig etwas zu sagen hat.

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JPEGMAFIA & Danny Brown – Scaring The HoesPEGGY/AWAL

Danny Brown und JPEGMAFIA haben beide den Ruf, laute, unberechenbare Rap-Musik zu machen, und ihre beiden Kollaborationen auf Dannys Album uknowhatimsayin¿ aus dem Jahr 2019 waren große Höhepunkte, daher klang die Idee eines kompletten gemeinsamen Albums dieser beiden perfekt. Und es ist in der Ausführung genauso perfekt wie auf dem Papier. Das von JPEGMAFIA produzierte Album reicht von Hyperpop über Glitch und Industrial bis hin zu Flipped-Soul-Samples und mehr, und Danny und Peggy haben grenzenlose Energie, wenn sie sich bei diesen dröhnenden Beats gegenseitig abprallen lassen. Der einzige Gastauftritt des Albums kommt von einem der aufregendsten neueren Rapper überhaupt, redveil, der „Kingdom Hearts Key“ mit seiner sanften Coda liefert.

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Justiz – Fleisch + BlutAktivitäten im geschlossenen Sarg

Es ist über vier Jahre her, seit die texanischen Metalpunks Judiciary ihre großartige Debüt-LP „Surface Noise“ veröffentlicht haben, und auf ihrer zweiten LP „Flesh + Blood“ haben sie sich deutlich verbessert. Wie „Surface Noise“ schafft das neue Album eine Balance zwischen modernem metallischem Hardcore und klassischem 80er-Jahre-Thrash, und „Flesh + Blood“ lässt die Grenze noch verschwimmen und schlägt noch härter zu. Sie haben es mit dem Heavy-Music-Dream-Team von Arthur Rizk (Produzent/Ingenieur) und Will Putney (Mixing/Mastering) geschafft, mit dem ersteren zusammengearbeitet haben, nachdem sie vom verstorbenen Power Trip-Sänger Riley Gale dazu gedrängt wurden, und das ist es ein perfektes Paar für das, was Judiciary mit dieser LP vorhatte. Arthur ist der Ansprechpartner für modernen Thrash und Will ist der Ansprechpartner für modernen Metalcore. Flesh + Blood existiert genau in der Mitte. Wie die Produktion sind auch die Musikalität und das Songwriting größer und mutiger. Die Gitarristen Jimmy LaDue und Israel Garza füllen diese Platte mit Riffs, die die Big Four umhauen würden, und Jake Collinsons Hardcore-Gebell ist sowohl wilder als auch melodischer als auf der letzten LP. Es ist geschmackvoll gemacht und extrem hart – genau das, was man von einer Band wie dieser erwartet.

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Kelela – RavenWarp

Kelela nimmt sich Zeit. Seitdem sie Anfang der 2010er Jahre als Gastsängerin elektronischer Tracks von Künstlern wie Teengirl Fantasy, Kingdom und Daedelus die Welt im Sturm eroberte, hat sie nur ein Mixtape, eine EP und ein Album in voller Länge sowie einige eigenständige Alben veröffentlicht Singles und Remixe. Aber jedes Mal, wenn sie aussteigt, lohnt sich das Warten, und Raven – ihr zweites Album und die erste neue Musik seit fast sechs Jahren – ist da keine Ausnahme. Das Album wurde von Kelela zusammen mit der Co-Executive-Produzentin Asmara von Nguzunguzu geschrieben, arrangiert und als ausführende Produzentin produziert. Der Großteil der Produktion stammte von LSDXOXO, dem Ambient-Duo OCA und Bambii – einem eingespielten Team, das Kelela dabei geholfen hat, genau das zu machen das Album, das sie machen wollte, ohne sich Gedanken über die Erwartungen externer Kräfte wie dem Kapitalismus und der Kultur der weißen Vorherrschaft zu machen. Kelela nennt das Album „eine Bestätigung der Perspektive der schwarzen Frau inmitten systemischer Auslöschung und des Klangs unserer Verletzlichkeit, der sich in Macht verwandelt“, und sie erreicht dies mit einer bemerkenswerten Fusion aus R&B, Tanzmusik und Ambient-Musik. Es fühlt sich wie eine natürliche Weiterentwicklung ihrer früheren Arbeit an und wirkt heute genauso gewagt und futuristisch wie ihr Debüt-Mixtape Cut 4 Me vor zehn Jahren. Auf Raven scheint Kelela nicht daran interessiert zu sein, ein weiteres „LMK“ zu schreiben, die popfreundliche Lead-Single ihres vorherigen Albums Take Me Apart. Das soll nicht heißen, dass „Raven“ nicht seine Knaller hätte, aber es ist ein noch intimeres, atmosphärischeres Album als sein Vorgänger, und selbst seine eingängigsten, fröhlichsten Songs erforschen Kelelas experimentelle Seite. Die Produktion ist breit gefächert und innovativ, und Kelela ist noch besser darin geworden, ihre erhebende Stimme in und aus dem Beatwork zu integrieren, als sie es ohnehin schon war. Kelela profitierte von der Ankunft in einer Zeit, in der die Schnittstelle zwischen Indie, elektronischer Musik und R&B ein trendiger Ort war, aber Raven bekräftigt, dass Kelela kein Trend-Hopper ist. Es klingt nicht wirklich wie eine der großen R&B-Platten der letzten Zeit, und bei so kreativer und erfrischender Musik ist Kelela da besser aufgehoben.

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Lampe von Murmuur – Saturnischer BlutsturmNicht Kvlt/Nacht des blassen Mondes/Argento

Lamp of Murmuur ist in Haushalten, die über Underground-Lo-Fi-Black-Metal sprechen, bereits ein bekannter Name, aber die Band – angeführt vom rätselhaften Multiinstrumentalisten M. – scheint in letzter Zeit aus ihrem Schneckenhaus herauszukommen. Nachdem Lamp of Murmuur im Laufe von drei Jahren mehrere Aufnahmen herausgebracht hatte (einschließlich einer sehr begrenzten Bandauflage seines ersten Demos, die jetzt für 70 Dollar auf Discogs erhältlich ist), debütierte Lamp of Murmuur 2022 endlich mit einer Live-Show mit voller Band, einschließlich eines gewaltigen Roadburn Auftritt, und jetzt haben sie ihr neues Album Saturnian Bloodstorm veröffentlicht, das ihre erste Veröffentlichung auf Streaming-Diensten ist. Es ist im wahrsten Sinne des Wortes zugänglicher, da man es überall streamen kann, aber auch in dem Sinne, dass die Produktion viel klarer ist als das frühe Lo-Fi-Material der Band und die Songs deutlich eingängiger sind. Sogar das Albumcover hat mehr Farbe und Klarheit als jede Lamp-Veröffentlichung zuvor. „Ich hatte das Gefühl, dass ich nicht wollte, dass dieses Album genauso klingt wie die anderen“, sagte M. zu Invisible Oranges. „Ich hatte das Gefühl, es sei an der Zeit, eine Bestätigung meiner eigenen Existenz, eine Bestätigung meiner Stärke und Vitalität zu geben und eine belebende Platte aufzunehmen.“ M. nennt Alben wie „At The Heart Of Winter“ von Immortal und „Volcano“ von Satyricon als Einflüsse auf den klareren Sound („alle diese Alben, die in einer seltsamen Zeit für Black Metal erschienen, in den frühen 2000er Jahren, als die Big Bands mit ihren Songs extrem groß rauskamen“) Sound") und verbindet die melodische Seite mit Black Metal mit dem Einfluss klassischer Hardrock- und Heavy-Metal-Bands wie Judas Priest, Iron Maiden, Deep Purple, Dio und Black Sabbath. Lesen Sie das vollständige Interview von IO, um mehr über diese bemerkenswerte LP zu erfahren.

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Lana Del Rey – Wussten Sie, dass es einen Tunnel unter dem Ocean BlvdInterscope/Polydor gibt?

Um Billie Eilish zu zitieren: Lana Del Rey hat allen den Weg geebnet. Ihre einst polarisierende Version der alternativen Popmusik veränderte die Art und Weise, wie so viele Künstler an ihre Musik herangingen, von bereits etablierten Giganten wie (jüngster Lana-Mitarbeiterin) Taylor Swift bis hin zu neueren aufstrebenden Stars wie Billie. Und je einflussreicher sie wird, desto mehr scheint ihre eigene Musik vor kommerziellen Erwartungen zurückzuschrecken. „Bei diesem Album sind die meisten davon meine innersten Gedanken“, sagte Lana, während sie mit Billie Eilish in demselben Interview Magazine-Interview sprach, aus dem Billies Zitat stammte. Seit einigen Alben tendiert Lana nun zu einem persönlicheren Songwriting-Stil, und mit „Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd“ legt sie großen Wert darauf. Das Album ist größtenteils ruhig und minimalistisch, wobei Klavier und Streicherballaden bei den meisten dieser Songs den Rahmen für die lyrische Strömung des Bewusstseins bilden. Und dann gibt es da noch die Ausreißer, wie das Hip-Hop-orientierte „Peppers“ mit Tommy Genesis, das Gospel-orientierte „The Grants“ und „Let the Light In“, ein wunderschönes Folk-Duett im Laurel-Canyon-Stil mit Father John Misty. Das Album endet mit einer Reprise des herausragenden Norman Fucking Rockwell „Venice Bitch“. (Es gibt auch einen Titel, in dem die prominente Pastorin Judah Smith eine viereinhalbminütige Predigt hält, und ich weiß nicht, ob ich diese jedes Mal ausklingen lassen soll, wenn ich mir das Album anhöre, aber Ihr Erfolg kann variieren.) Das ist es Ein Album, auf dem Lana so klingt, als würde sie tun, was zum Teufel sie will, ein Satz, der im Grunde mehrere Alben von Lana Del Rey an dieser Stelle beschreibt. Im weiteren Sinne wissen Sie, was Sie von diesem Album erwarten werden, aber auf einer eher kleinen Ebene findet Ocean Blvd viele Möglichkeiten, Sie zu überraschen.

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Liturgie - 93696Thrill Jockey

Ravenna Hunt-Hendrix hat seit den Anfängen von Liturgy die Grenzen und den Purismus des Black Metal herausgefordert, und selbst mit der Erwartung, dass das neue Doppelalbum der Band, 93696, genau das tun wird, begeistert und überrascht dieses kolossale neue Projekt immer noch auf eine Weise, die sich fast unheimlich frisch anfühlt . Getreu seinem Namen beschwört traditioneller Black Metal im wahrsten Sinne des Wortes Visionen der Dunkelheit herauf, aber Hunt-Hendrix nutzt bekannte Black-Metal-Tricks, um Musik zu machen, die so hell und farbenfroh klingt wie das Albumcover von 93696. Zusammen mit Liturgys aktueller Besetzung bestehend aus dem Gitarristen Mario Miron, der Bassistin Tia Vincent-Clark und dem Schlagzeuger Leo Didkovsky bringt Hunt-Hendrix bei 93696 Streicharrangements, einen Kinderchor, Art-Rock-Elektronik und mehr mit, um die Musik auf alle möglichen Arten unerwartet voranzutreiben Richtungen. Sie sagt, ihr Ziel sei gewesen, dass dieses Album „mehr Punk und Klassik als Metal“ klingen lasse, und dieses Ziel spiegelt sich in der Wahl der Produktion und des Arrangements des Albums wider, die sich selten typisch für Metal (oder einen anderen Musikstil) anfühlen ). Zu den Singles des Albums gehörten ein gestaltveränderndes 15-minütiges Lied sowie ein Lied, das nichts weiter als wortlosen A-cappella-Chorgesang enthält, und diese Titel ergeben im Kontext dieses Albums noch mehr Sinn. Es ist eine wahre Reise eines Albums, das gleichzeitig umwerfend, euphorisch und antagonistisch sein kann.

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Lucinda Chua - YIAN4AD

Die Londoner Künstlerin Lucinda Chua spielte zunächst im von Kranky unter Vertrag genommenen Trio Felix und fungierte als Tourcellistin für FKA twigs. Sie tourte bereits 2013 als Opener für Slint, aber ihr Debüt-Soloalbum veröffentlicht sie erst jetzt – nach Solo-EPs aus dem Jahr 2019 und 2021 – und es fühlt sich wirklich an, als würde sie sich zum ersten Mal der Welt vorstellen. „Es ist irgendwie ungewöhnlich, mit Mitte Dreißig ein Debüt-Soloalbum zu schreiben“, sagte sie kürzlich in einem Interview mit The Forty-Five. „Ich mache bereits seit über zehn Jahren Musik, aber die Veröffentlichung dieses Albums fühlt sich immer noch wie ein Geburtsmoment an.“ Das Album heißt YIAN, abgeleitet von ihrem chinesischen Namen Siew Yian, und zeigt, wie sie sich voll und ganz ihrer asiatischen Kultur und ihren Wurzeln widmet, die in ihrem Leben, als sie in London aufwuchs, oft fehlten. Die begleitenden Visuals des Albums waren stark von chinesischem Tanz und alten Hollywood-Darstellungen asiatischer Charaktere inspiriert und sie rekrutierte eine Gruppe von Mitarbeitern mit gleichgesinntem Hintergrund, um ihr bei der Verwirklichung ihrer Vision zu helfen. Der singapurische Art-Pop-Künstler Yeule ist einer der wenigen Gäste des Albums. Lucinda hat acht der zehn Titel des Albums selbst produziert und entwickelt, und YIAN beschäftigt sich hauptsächlich mit mitreißendem, atmosphärischem Art-Pop, der an Musiker wie Tori Amos, Radiohead und Björk erinnert. Es ist insgesamt ein ruhiges, langsames Album, aber wenn man ihm die Aufmerksamkeit schenkt, die es verdient, werden Sie süchtig machende Hooklines und explosive Höhepunkte finden, die in YIANs Zartheit eingewoben sind.

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MSPAINT – Post-AmericanConvulse Records

Die aus Hattiesburg, Mississippi, stammenden MSPAINT stammen nicht aus einer der angesagtesten Musikregionen, sie werden nicht von einem der großen Plattenlabels unterstützt, die Trends setzen, und sie sind nicht im Einklang mit so ziemlich jedem aktuellen Musiktrend, aber Wer sich für die Band entschieden hat, ist sich einig: MSPAINT ist etwas ganz Besonderes. „Als ich ‚Hardwired‘ zum ersten Mal hörte, fühlte es sich an, als wäre ich in ein Geheimnis eingeweiht worden, wie in einen unentdeckten Hit“, sagte Militarie Gun-Sänger Ian Shelton und bezog sich dabei auf den Eröffnungstrack der selbstbetitelten Debüt-EP der Band aus dem Jahr 2020. Seitdem hat Ian eine enge Beziehung zur Band aufgebaut; Militarie Gun nahm sie mit auf Tour und arbeitete mit ihnen zusammen, und Ian war neben Taylor Young Co-Produzent ihres Debütalbums Post-American und singt eine Strophe auf dem herausragenden Track „Delete It“. Das Album hat einen weiteren Gastsänger bei „Decapitated Reality“, Soul Glos Pierce Jordan.

Wie ihre Kollaborateure, Tourkollegen und das Plattenlabel beweisen, wurden MSPAINT von der Hardcore-Szene angenommen, sind aber selbst keine Hardcore-Band. Tatsächlich behauptet die Band, dass die einzigen Vorgespräche, die sie darüber geführt haben, wie MSPAINT klingen würde, darin bestanden, dass sie keine Gitarren verwenden würden. Nicht, dass die Erzählung „Rockband lässt Gitarren fallen“ etwas Neues wäre, aber MSPAINT machen es auf eine Art und Weise wie kaum eine andere Band, die ich mir vorstellen kann. MSPAINTs Synth-Punk lehnt die Rock-ins-Synth-Pipeline ab, die so oft zu etwas Aufgeräumterem und Radiotauglichem führt, und fühlt sich wie geschaffen für schmutzige, schweißtreibende und schlecht beleuchtete Lagerhauspartys an. Ihre Drum-and-Bass-Rhythmussektion hämmert, ihre Synthesizer sind verzerrt und verzerrt, und ihr charismatischer Sänger – der sich nur Deedee nennt – führt die Band mit kaum melodischen Shouts an, die viel eingängiger sind, als sie jemals klingen werden Papier. Die Songs sind ebenso schroff und aggressiv wie lustig und ansteckend; Es ist Popmusik für Ausgestoßene und Freaks, und MSPAINT klingen nicht wirklich wie die anderen Bands, auf die diese Beschreibung zutrifft.

Weitere Informationen zu diesem Album finden Sie in der Track-by-Track-Aufschlüsselung der Band.

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Model/Schauspielerin – DogsbodyEchte Panther-Sounds

Nostalgie verläuft in der Regel in 20-Jahres-Zyklen, was bedeutet, dass die Mitte der 2000er-Jahre zurück ist, und als jemand, der zu dieser Zeit in NYC war und gute Erinnerungen an diese Tage hat, bin ich dafür da. Zumindest einiges davon, wie meine damalige Miete und mein Gehör. Model/Actriz, die eigentlich schon fast ein Jahrzehnt lang zum New Yorker Randgebiet gehören, scheinen im Jahr 2003 tatsächlich mithalten zu können, mit einer wilden Art von künstlerischem Technopunk, der klingt, als wäre er in einem verlassenen Ort geschmiedet worden Brennstahlfabrik. Trommeln feuern wie Presslufthämmer, ein Maschinengewehr aus Kickdrums, Gitarren schneiden Metallscheiben ab wie ein heißes Messer durch Butter, und Sänger Cole Haden jammert Zeilen wie „Ich erinnere mich an Dornen, die meine Handflächen zerfetzten!“ „Dogsbody“, ihr Debütalbum, ist von zuckender, unerbittlicher Energie angetrieben, die während der intensiven, dunklen und todernsten Laufzeit von 38 Minuten nie nachlässt. Die einzige Abhilfe schafft das etwas nähere „Sun In“, bei dem man meinen könnte, der Algorithmus habe nach Abschluss des Albums zu einem anderen Künstler gesprungen. Dogsbody ist nicht gerade „lustig“, aber es ist kathartisch und lässt sich, wie die Gruppen, von denen es sich inspiriert fühlt (Liars, Lightning Bolt, Black Dice, !!!), wahrscheinlich am besten live und laut in einem verschwitzten Club mit Stroboskopen und Stroboskopen erleben Nebelmaschinen. Hören Sie sich stattdessen „Model/Actriz“ so laut an, wie Sie es ertragen können.

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Die Mordhauptstadt – Gigis GenesungMenschliche Jahreszeiten

Die Dubliner Band The Murder Capital ist seit der Veröffentlichung ihres Debüts „When I Had Fears“ im Jahr 2019 deutlich entspannter geworden. Dieses Album handelte von düsterem Indie-Rock, der nicht allzu weit von Interpol entfernt war. Frühe Redakteure und andere Gruppen, die häufig mit Joy Division verglichen wurden. Obwohl abgeleitet, wurden gute Songs mit Überzeugung gespielt, und Frontmann James McGovern hatte eine Anziehungskraft, die sogar durch die billigsten Ohrhörer zu spüren war. Vier Jahre später ist die Band zurück, und obwohl es falsch wäre zu sagen, dass sie sich in ihrer Haut wohler fühlen, fühlt sich Gigi's Recovery eher wie das Produkt einer Band an, die herausgefunden hat, wer sie sind. Lieder und Darbietungen sind nuancierter und zeigen eine ganze Reihe von Emotionen und Farben, nicht nur Schwarz und Grau. Das schwankende „Good Things“ und das hymnische „Return My Head“ grenzen an Freude, und letzteres klingt wie eine großartige, verlorene Single aus der Blütezeit des Blog-Rocks. Tatsächlich spielt sich „Gigi's Recovery“ ein wenig wie die großartigste Indie-Gitarrenplatte aus der Mitte der 2000er, die Sie noch nie gehört haben, mit unvergesslichen Songs nach unvergesslichen Songs, alles fachmännisch produziert von John Congleton mit exzellenter, abwechslungsreicher Gitarrenarbeit von Damien Tuit und Cathal Roper. McGovern ist auch ein besserer Sänger geworden, der sich ein wenig anstrengen kann, ohne etwas von der Leidenschaft zu verlieren. Dies ist jedoch keine Nostalgie für irgendeine Epoche; Gigi's Recovery ist der Sound von fünf Männern, die im Jahr 2023 vitale Musik mit Gitarren machen.

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Nachruf - Sterben von allemRückfall

„Dying of Everything“, das elfte Album von Obituary, erscheint fünf Jahre nach ihrem letzten, und seitdem befinden wir uns mitten in einer ernsthaften Death-Metal-Renaissance, angetrieben von einer aufregenden Gruppe von Bands, die ohne sie nicht existieren würden Nachruf. Obituary und ihre ebenso einflussreichen Kollegen aus Florida wie Death und Morbid Angel leisteten Pionierarbeit im Death Metal, indem sie den Thrash Metal zu seinem schlimmsten Ende brachten und ihn von da an noch böser machten. Und Obituary haben ihre Thrash-Einflüsse im weiteren Verlauf nie aufgegeben und Platten gemacht, deren Einfluss sich in einer Vielzahl heutiger Death Metal-, Thrash Metal- und Metallic-Hardcore-Bands widerspiegelt. Sie haben auch nie aufgehört, großartige Platten zu schreiben, und dazu gehört auch „Dying of Everything“, ein Album, das 34 Jahre nach dem Debüt von Obituary erscheint und immer noch den gleichen Hunger und die gleiche Dringlichkeit hat wie der Nachwuchs des Genres. Obituary bestehen immer noch aus den Originalmitgliedern John Tardy (Gesang), Donald Tardy (Schlagzeug) und Trevor Peres (Rhythmusgitarre). Seit mehr als einem Jahrzehnt wird ihr Lineup durch den ebenfalls aus Florida stammenden Death-Metal-Pionier Terry Butler (Death, Massacre, Six Feet Under) am Bass und Leadgitarrist Kenny Andrews (der zuvor zusammen mit Donald Tardy in Andrew WKs Band spielte und davor bei den Florida-Thrash-Veteranen Azrael und Pain Principle war), zwei Leute, die nicht überraschend sehr gut darin sind, Obituary dabei zu helfen, weiterzumachen ihren klassischen Sound lebendig. „Dying of Everything“ unterscheidet sich nicht allzu sehr von den frühen Alben von Obituary, klingt aber auch keineswegs veraltet oder überflüssig. Obituary haben einige der besten Death Metals der 1980er Jahre gemacht und sie machen einige der besten Death Metals von heute. Mögen alle Bands auch nach mehr als 30 Jahren ihrer Karriere noch so mühelos relevant sein.

Weitere Informationen zu diesem Album finden Sie im neuen Interview von IO mit Donald Tardy.

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Paramore – Das ist WhyAtlantic

Hayley Williams hat mehrfach gesagt, dass Paramore nie die Absicht hatte, nur eine Pop-Punk-/Emo-Band zu werden. Sie hatten schon früh so viele andere Einflüsse, aber das ist die Szene, der sie damals zugeordnet wurden, und wahrscheinlich aufgrund verschiedener Faktoren ist es die Richtung, in die sie gegangen sind, und dafür sind sie vielen Menschen immer noch am besten bekannt. Aber selbst nachdem das Mainstream-Interesse an Pop-Punk und Emo nachgelassen hatte, überstand Paramore eine sich verändernde Musikindustrie, mehrere Besetzungswechsel, Nebenprojekte und verschiedene stilistische Abweichungen. Ihr Album „After Laughter“ aus dem Jahr 2017 war ein scharfes, von New Wave inspiriertes Album mit fast keinerlei Anklängen an Pop-Punk, und es wurde als Comeback gefeiert (nicht, dass Paramore jemals wirklich etwas erreicht hätte), was Paramore als eine Band bestätigte, die genauso war Sie sind in der Musiklandschaft Mitte/Ende der 2010er-Jahre ebenso relevant wie Mitte/Ende der 2000er-Jahre. Das ist nun sechs Jahre her, und seitdem veröffentlichte Hayley zwei Soloalben, die sich noch weiter von Paramores Wurzeln entfernten, doch jetzt sind Paramore zurück und klingen wie die Band, die sie wirklich immer sein wollten.

Der gelungene Abschied von „After Laughter“ gibt eindeutig die Richtung von This Is Why vor, aber sie bringen auch die lauten Gitarren und die höhnische Angst des klassischen Paramore zurück und schlagen auch eine Handvoll neue Richtungen ein. „This Is Why“ ist der Sound von Paramore, der sich wieder mit sich selbst verbindet, sich aber immer noch mit dem auseinandersetzt, was sie in den 18 Jahren seit ihrer Debüt-LP geworden sind. Es fühlt sich an wie ein Höhepunkt von allem, was sie getan haben, und wie eine Weiterentwicklung. Manchmal fühlt es sich auch so an, als würde Paramore wieder ganz am Anfang stehen und von vorne beginnen; Hayley hat mehrfach über den Einfluss gesprochen, den Bloc Party – mit dem Paramore dieses Jahr auf Tour geht – auf dieses Album hatte, und ihr zuckender Dance-Punk ist überall auf dieser Platte zu finden. Songs wie „The News“, „Running Out of Time“ und „C'est Comme Ca“ deuten auf eine alternative Version der Mitte der 2000er Jahre hin, als Paramore in die Fußstapfen von „Banquet“ trat und nicht in die Fußstapfen ihrer Labelkollegen und Warped-Kollegen „Fueled by Ramen“. Tourers und Paramore schaffen das im Jahr 2023, ohne dabei aus dem Takt zu geraten, veraltet zu klingen oder als würden sie sich nach einer vergangenen Ära der Gitarrenmusik sehnen.

Lesen Sie unsere vollständige Rezension.

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Parannoul – Nach dem MagicTopshelf

„Dieses Album ist nicht das, was Sie erwartet haben, sondern das, was ich immer wollte.“ So stellte der mysteriöse südkoreanische Musiker Parannoul „After the Magic“ vor, dem zwei weitere abendfüllende Alben und einige EPs und Splits folgen (beide mit dem südkoreanischen Künstlerkollegen Asian Glow und eine auch eine Dreier-Split mit dem brasilianischen Sonhos Tomam Conta). ), sowie Veröffentlichungen unter anderen Namen wie laststar und Mydreamfever. Diese frühen Veröffentlichungen haben dazu beigetragen, Parannoul zu einer Kult-Fangemeinde zu machen, die fast ausschließlich im Internet existiert; Einige der lautesten Cheerleader von Parannoul kommen aus der ganzen Welt, und das alles begann während des COVID-Lockdowns, bevor irgendjemand Parannoul live gesehen hatte. (Soweit ich das beurteilen kann, ist Parannoul nur selten und nie außerhalb Südkoreas aufgetreten.) Die Zutaten, aus denen „After the Magic“ besteht, ähneln denen auf Parannouls früheren Veröffentlichungen, aber diese Platte fühlt sich größer, klarer und weniger an Lo-Fi. Es passt irgendwo zwischen dem Elektro-Shoegaze von M83 aus der Aughts-Ära, dem Glitch-Pop von The Notwist und dem aufsteigenden, gesangsorientierten Post-Rock von The Appleseed Cast, mit flatternden Arrangements, die auf einem Sufjan Stevens-Album nicht fehl am Platz wären. Mit anderen Worten: Das ist zutiefst schöne Musik und voller Gefühle.

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Sanguisugabogg – Homicidal EcstasyCentury Media

„Alles ist seriöser geworden. Die Musikalität, die Produktion, die Texte – die sich viel mehr mit Horror und Body-Horror befassen – sind durchdachter. Es ist nicht nur ein Haufen Schwanz- und Furzwitze“, sagt Sänger Devin Swank über das Neue Album seiner Death-Metal-Band Sanguisugabogg aus Ohio, deren letztes Album einen Song namens „Dick Filet“ enthielt. Es ist ohnehin nicht einfach, die Texte einer brutalen Death-Metal-Band zu erkennen, aber man kann insgesamt sagen, dass Sanguisugabogg die Dinge heutzutage etwas ernster zu nehmen scheinen, und ich würde behaupten, dass Homicidal Ecstasy dem Hype dieser Band gerecht wird ( (was für Death-Metal-Bands von Anfang an ziemlich laut war) mehr als ihr früheres Material. Es ist straffer, härter und intensiver als das Debüt, aber immer noch mit all dem grausamen Blut, das wir von diesen Jungs erwarten.

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Ulrika Spacek – Kompaktes TraumaHarte Liebe

Sind Gitarren im Jahr 2023 langweilig? Natürlich nicht, aber um meiner eigenen dummen Argumentation willen möchte ich sagen, dass es davon abhängt, in wessen Händen sie sich befinden. (Gilt natürlich auch für jedes Instrument, sogar für die Panflöte.) In den Händen der Londoner Band Ulrika Spacek schwingen Gitarren und schweben, schleichen und kriechen, streicheln und brüllen. Frontmann Rhys Edwards und seine Bandkollegen Adam Beach und Joseph Stone sind aus dem gleichen Holz geschnitzt wie Doug Martsch, Bradford Cox, Thurston Moore/Lee Ranaldo und der Radiohead Ihrer Wahl. Sie bewegen sich innerhalb der Grenzen von Rock und Pop, finden aber dennoch neue Beschäftigungsmöglichkeiten Ihr Instrument und begeistert von den Möglichkeiten. Compact Trauma, das erste Album der Band seit sechs Jahren, macht das Versprechen ihrer 2018 Suggested Listening EP wahr und ist eine herrliche Gitarrenplatte, auf der sich selbst die zweiminütigen Songs episch anfühlen, voller einfallsreicher Riffs und cleverer Filigranarbeit. Das Album ist natürlich in erster Linie eine Bandarbeit, wobei der Bassist Syd Kemp und der Schlagzeuger Callum Brown alle zu dem wunderbaren, oft mitreißenden Lärm beitragen. Das Album beginnt mit seinem besten Song, dem prahlerischen „The Sheer Drop“, der von schwüler Coolness zu wildem Lärm und zurück schwingt, alles mit großen Hooks und einem ohrenbetäubenden Refrain. Compact Trauma behält sein Qualitätsniveau auch in den verbleibenden neun Songs bei und führt uns durch jazzigen Pop („Lounge Angst“), düstere Romantik („If The Wheels Are Coming Off, The Wheels Are Coming Off“) und weitere Epen („Stuck at“) the Door"), bevor es zum wunderschönen, traumhaften Titelsong geht. Gitarren? Hier sind 10 Gründe, aufgeregt zu sein.

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Ulthar – Anthronomicon & Helionomicon20 Buck Spin

Ulthar – das Bay Area Metal-Trio bestehend aus Shelby Lermo (Vastum), Steve Peacock (Mastery, Spirit Possession) und Justin Ennis (Vale) – folgt auf Providence im Jahr 2020 mit ihrem dritten und vierten Album gleichzeitig, Anthronomicon und Helionomicon. Ersteres ist ein „traditionell“ strukturiertes Album mit acht Songs, während letzteres in zwei etwa 20-minütige Titel unterteilt ist, die auch „Helionomicon“ und „Anthronomicon“ heißen. Auch wenn letzteres beim Konsum entmutigender klingt, ist es das nicht. Es hat genauso viele Wendungen wie das Album mit acht Songs, nur weniger Titelunterbrechungen. Beide Alben wurden von Kevin Bernsten (Full of Hell, Pianos Become the Teeth usw.) in Baltimore aufgenommen und klingen fantastisch, und beide zeigen, dass Ulthar die Grenzen zwischen Black- und Death Metal völlig verwischt und mit Dingen wie Umgebungsgeräuschen und bluesiger, klarer Gitarre flirtet der Weg. In einer extremen Metal-Landschaft, in der sich Bands oft in sehr spezifische Subgenres aufspalten, ist es erfrischend zu hören, wie Ulthar einfach tun, was sie wollen, unabhängig von etablierten Grenzen, und dabei absolut wütend klingen.

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Yves Tumor – Lobe einen Herrn, der kaut, aber nicht konsumiert; (Oder einfach: Heiß zwischen den Welten) Warp

Sean Bowie hat den größten Teil seiner Karriere als Yves Tumor damit verbracht, sich vom Experimentalisten zum kühnen, glamourösen Art-Rocker zu wandeln, und an diesem Punkt ist die Transformation abgeschlossen. „Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume“ knüpft dort an, wo die Publikumslieblings-EP „The Asymptotical World“ aus dem Jahr 2021 aufgehört hat; (Oder einfach „Hot Between Worlds“) lehnt sich wirklich an das laute, mit Hooks angereicherte Material an, das perfekt für die Coachella-Bühne ist, auf der Yves diesen April auftreten wird. Aber wie immer geht Yves Rock- und Popmusik auf seine eigene Art und Weise an; Zugänglicher zu werden bedeutet nicht, ihre seltsamen Tendenzen aufzugeben oder den Schlag ihrer scharfen, deutlichen Stimme abzumildern. Wie immer ist Yves Tumor ein Experte darin, bekannte Klänge auf ungewohnte Weise zu vermischen; „Praise A Lord“ erinnert an eine Reihe verschiedener Musikstile, darunter unter anderem New Wave, Psychedelia, Post-Punk, Grunge, Funk, Chillwave und Krautrock, und Yves berührt oft zwei oder mehr davon pro Song. Mit der Produktion von Noah Goldstein (Frank Ocean, Kanye, Bon Iver usw.), dem Mix von Alan Moulder (My Bloody Valentine, Ride, Nine Inch Nails usw.) und einer Besetzung talentierter Mitwirkender (darunter der herausragende Gastsänger Kidä bei „Lovely“) „Praise A Lord“ klingt fantastisch, mit einem zeitlosen Glanz, der perfekt zu der Klangmischung passt, die Yves hervorgebracht hat.

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Zulu – A New TomorrowFlatspot

„Muss ich nur meinen Schmerz teilen?“ Diese Frage stellen Zulu auf ihrem Debütalbum A New Tomorrow mehr als einmal und beziehen sich dabei auf die Art und Weise, wie von schwarzen Künstlern so oft erwartet wird, dass sie Kunst machen, die ihr Trauma widerspiegelt, anstatt ihre Kultur, ihre Gemeinschaft und ihr Selbst zu feiern. Teile von „A New Tomorrow“ sind von Schmerz geprägt, aber er ist viel tiefer, weitreichender und feierlicher. Zulu begann als Powerviolence-mit-Vintage-Soul-Samples-Soloprojekt der Dare/The Bots-Schlagzeugerin Anaiah Lei und ist heute eine komplette Band, deren Multi-Genre-Sound nun aus mehr als nur Samples besteht. Anaiah teilt sich oft die Screaming-Pflicht mit der Schlagzeugerin Christine Cadette, und Gitarrist Dez Yusuf übernimmt den Leadgesang für den Jazz-Rap-Song „We're More Than This“ des Albums. Pierce Jordan von Soul Glo, Obioma Ugonna von Playytime und Paris Roberts von Truth Cult leihen ebenfalls ihre Stimmen. Sie verwenden immer noch Soul- (und Reggae- und Afrobeat-)Samples, bieten aber auch ihre eigenen psychedelischen Soul- und Jazz-Instrumentalstücke an. Und sie haben ihren knochenbrechenden Hardcore weit über Powerviolence hinausgeführt und sich oft in ein Gebiet vorgewagt, das so Groove-orientiert und tanzbar ist, dass es perfekt passte, als Zulu ein A Tribe Called Quest-Video für einen der Songs des Albums nachstellte. „A New Tomorrow“ ist der perfekte Name für dieses Album; Zulu klingt nach Zukunft.

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