34 großartige Rekorde, die Sie vielleicht verpasst haben: Sommer/Herbst 2022

Mar 06, 2023

Von Pitchfork

Vielleicht waren Sie im Sommer zu sehr damit beschäftigt, zu grillen und im Herbst das Laub zu bewundern, um mit der Veröffentlichung der neuen Alben Schritt zu halten. Alle paar Monate stellen unsere Autoren und Redakteure eine Liste allgemein übersehener Neuerscheinungen zusammen, die etwas mehr Aufmerksamkeit verdienen. Keines dieser Alben wurde als „Beste neue Musik“ ausgezeichnet und einige wurden überhaupt nicht auf Pitchfork rezensiert, aber wir denken, dass sie alle einen Besuch wert sind. Von sonnendurchflutetem Wasser-Techno bis hin zu Musik aus der Sahara, die über WhatsApp geteilt wird – hier sind einige Alben, die Sie hören möchten.

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4EVER

Fast Trax 3 ist ein bonbonrosa Wirbel aus flauschigen Synthesizern und Helium-Gesang und klingt wie ein Samstagabend auf der aufgedrehtesten Insel von Animal Crossing. Der Rapper und Produzent 454 aus Florida veröffentlichte sein neuestes Mixtape als einzelnen 41-minütigen Track auf SoundCloud, und es lässt sich am besten als kontinuierlicher Schwall sich ständig verändernder Psychedelik, einer Mischung aus R&B-Samples und nervösen Trommeln erleben. Spulen Sie jedoch weiter zurück, und Momente durchbrechen den Dunst. Wenn die hypnotisierende Schleife von „8TEEN“ von der Hochphase in die Verlangsamung wechselt, ist es wie ein Fallschirmspringer, der die Reißleine zieht. Und bei „Tales of the Hood“ wird 454s vorpubertärer Gesangseffekt nostalgisch und bittersüß, eine Anspielung auf die Zeiten, die er nicht vergessen wird oder kann. –Ryan Dombal

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Reich

„Mr. Money With the Vibe“ ist ein Aufruf an alle Popstars, ihr Spiel zu verstärken, denn niemand singt derzeit Refrains wie Asake. Die Hooklines des Albums sind beinahe spirituell und werden oft von einem Team aus Backgroundsängern unterstützt, die ihnen eine hymnische Note verleihen. Die Art und Weise, wie Asake bei Songs wie „Peace Be Unto You“ oder „Sungba“ von leicht vorzutragenden Melodien zu leichtfüßigem Rap übergeht, ist hypnotisch, ebenso wie das Saxophon, das „Dupe“ trägt, und die langsam brennenden Amapiano-Rhythmen. Doch alles dreht sich wieder um die Hooklines, die – wie so viel großartiger Pop – wie gemacht sind, um in einem überfüllten Raum Wort für Wort gesungen zu werden. –Alphonse Pierre

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Warner

Baby Tate kann nicht anders, als in ihrer neuesten Veröffentlichung laut und egoistisch zu sein. Die in Georgia aufgewachsene Rapperin und Sängerin geht auf „Mani/Pedi“ in den Wildheitsmodus über, vernichtet defekte Ex-Partner und genießt das Nachglühen, während sie Frauen dazu ermutigt, in ihren Bestrebungen gnadenlos vorzugehen. „Pedi“ beginnt mit einem bekannten viralen Tweet: „Fragen Sie sich, wer der kleinlichste Mensch ist, den Sie kennen? Es ist ein Mann, nicht wahr?“ bevor Tate gackert und die Bullen dazu bringt, der Kleinste von allen zu sein. Neben dem anzüglichen und lebhaften herausragenden „Slut Him Out Again“ gibt es einen Hauch von Crunk&B und eine Reihe von Low-Stakes-Balladen, bei denen die Stimmung nie über Spaß und Auffälligkeit hinausgeht. –Clover Hope

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Vertraue niemals

Bbyafrickas leise Raps können von lustig über unheimlich bis hin zu verführerisch reichen und besetzen manchmal alle drei Kategorien gleichzeitig. Gegen Ende des herausragenden „Freak Bitch“ rappt sie mit beunruhigender Ruhe darüber, wie sie einem unbefriedigenden Sexpartner Muttermilch in den Mund spritzt. Geekin' ist randvoll mit Momenten wie diesen und stellt Bbyafrickas verführerische Böswilligkeit in 12 luftigen und knüppelnden Songs in den Vordergrund, die sich der dunkleren Seite der Hyphy-Musik aus der Bay Area zuwenden. –Dylan Green

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Backwoodz Studioz

Cannabis ist ein häufiger Partner in der Musik von Billy Woods. Bei „Church“, das in Zusammenarbeit mit dem Baltimore-Produzenten Messiah Musik entstanden ist, prägt die Substanz sowohl seine Perspektive als auch seine Ästhetik. „Paraquat“ basiert auf dem herbiziden Gift, das häufig in Cannabisblüten vorkommt; „Fever Grass“ schildert die Ökonomie von Drogendealern und stumpft mit PCP ab. Als bissiger Memoirenschreiber rappt Woods oft durch eine Wolke aus Sativa-Rauch, aber hier untersucht er deren Rolle in der Kunst, im Geschäft und im täglichen Leben von Gemeinschaften, die unter einer schnell zerfallenden Prohibitionspolitik leben, und deckt etwas Unheimliches hinter dem Rausch auf. –Matthew Ruiz

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Deiondre, TyFaizon und TheBabeGabe besuchten dieselbe Highschool, gründeten aber über Instagram ihre Band Blackstarkids. Cyberkiss*, die zweite Platte des Pop/Rap-Trios aus Kansas City, ist Nostalgie der 90er und 2000er mit einem Gen-Z-Touch. In ihrer sprudelnden Produktion und ihren Gesangskadenzen sind Reminiszenzen an die Neptunes, Timbaland und Missy Elliott zu hören; Sie klingen auch wie Brockhampton und die Black Eyed Peas. Um das Ganze abzurunden, peppen sie das Projekt mit vom Disney Channel inspirierten Zwischenspielen und Reflexionen über das Erwachsenwerden als schwarze Kinder im digitalen Zeitalter auf. –Heven Haile

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LocalHost3000

Brittle Brian, das minimalistische Akustikprojekt der aus Philadelphia und Boston stammenden Musikerin Victoria Rose, bietet die gleiche zurückhaltende Strenge wie die Microphones, orientiert sich jedoch an der Außenwelt. Auf Biodiesel, ihrem ersten Album seit vier Jahren, erzählt Rose mit gezupfter Gitarre und mehrspurigem Gesang kryptische Geschichten über Pockennarben, Gespräche mit Krähen und die klärende Wirkung des Fahrradfahrens. „Glaubst du, du könntest alleine leben? Mit der Zeit schrumpfen, sanft“, singt sie auf „The Trout Drive“, wobei ihre Stimme mit jedem Satz sanfter wird, bis sie durch wortloses Gurren ersetzt wird, scharf wie ein Windstoß, der durch dein Fensterbrett weht . –Nina Corcoran

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93 n. Chr

Coby Seys Debütalbum wurde mit Bezeichnungen wie „Trip-Hop“ und „Post-Grime“ bedacht, doch diese Begriffe werden der Einzigartigkeit der Musik des Produzenten aus Südlondon nicht gerecht. Als Teil einer eng verbundenen Gruppe ruheloser Kreativer, zu der Mica Levi und Tirzah gehören, hat er zuvor strenge Bassmusik und nachdenkliche Klavierinstrumente aufgenommen; Auf Conduit bringt er seine Stimme zum Vorschein und beleuchtet düstere, kompliziert gereimte Meditationen über sein Lewisham-Erbe und die Übel Großbritanniens nach dem Brexit; Seine Produktion hingegen schwankt zwischen Dream-Pop-Boom-Bap, Industrielärm und dicht collagierten Epen, die teils Free-Improv-Jam, teils Vulkan sind. –Philip Sherburne

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Ein Großteil der Arbeit von Shabaka Hutchings kann durch eine apokalyptische Linse betrachtet werden, als würde sie die Frage stellen: Was ist zu tun, wenn das Ende der Welt unvermeidlich ist? „The Comet Is Coming“, Hutchings‘ kosmisches Jazztrio mit seinen Musikschulfreunden Dan Leavers und Maxwell Hallett, ist wohl das optimistischste seiner Projekte. Ihre neueste LP, Hyper-Dimensional Expansion Beam, ist sowohl eine treibende Erkundung der Grenzen der Menschheit als auch ein zukunftsweisender Versuch, sie auszulöschen. Das Album ist technisch gesehen instrumental, aber Hutchings Saxophon ist unbestreitbar die Stimme der Gruppe, sowohl im Rhythmus als auch in der Melodie. Der herausragende Titel „Pyramids“ ist ein ausreichender Beweis dafür: Eine pulsierende Basslinie wird von den kraftvollen Böen überholt, die durch Hutchings‘ Schilfrohr strömen, und schlägt gerade rechtzeitig Alarm vor dem drohenden Untergang, sodass etwas dagegen unternommen werden kann. –Matthew Ruiz

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Berührende Bass Limited

In 12 Tracks mit minimalistischem, von Jazz beeinflusstem Neo-Soul und Hip-Hop denkt der in South Carolina lebende Künstler Contour darüber nach, wie eine persönliche und kollektive Zukunft der Schwarzen aussieht. Erinnert klanglich und thematisch an Fatigue von L'Rain und Forever, Ya Girl von KeiyaA, sein Album Onwards! ist ein grenzenloser Ausdruck von Selbstmitgefühl und Belastbarkeit. Stimmen überlagern sich zu stimmungsvollen, leicht dissonanten Harmonien, und Contour bringt sich in ein direktes Gespräch mit früheren schwarzen Theoretikern und Künstlern, indem er Audioausschnitte aus Filmen der LA Rebellion-Bewegung sampelt. In den herausragenden Stücken „Freedom Facade“ und „Nigga Won’t Reach Mars“ hinterfragt er Ideen der Befreiung; Zu letzterem fordert er Sun Ra leicht heraus („Der Weltraum ist nicht der richtige Ort“) und fragt sich, welche Freiheiten es für Schwarze auf dem Mars gibt, wenn sie hier auf der Erde immer noch nicht garantiert sind. Es ist ein nachdenkliches und fesselndes Hörerlebnis. –Margeaux Labat

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Geografischer Norden

Als Gründerin des Labels Paralaxe Editions findet Dania Shihab Trost in den Ausdrucksmöglichkeiten des rohen Klangs. Auf ihrem Solodebüt Voz nähert sich die in Bagdad geborene und in Barcelona lebende Klangkünstlerin der Stimme als einer neuen Art von elektroakustischem Instrument, das klar von der frühen polyphonen religiösen Musik abgekoppelt ist und in einen Dialog mit strukturellen Samples und modularen Synthesizern gestellt wird. Der maximalistische Geist von Titeln wie „I Lied“ und „An Individual“ geht Hand in Hand mit den gedämpften Tape-Loops und Klavierarrangements im Herzen der Veröffentlichung, während Shihab neue Ideen erforscht und immer mühelos in den Wolken zu landen scheint. –Rob Arcand

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Jung

Die peruanische Künstlerin Daniela Lalita beweist eine meisterhafte Beherrschung ihrer Stimme. Auf den fünf Tracks ihrer Trececerotres-EP dehnt sie ihn in tausend verschiedene Richtungen aus, indem sie einen Falsettgesang in die Luft schleudert, nur um ihn zu Grunzen, Greifen und Knurren zu zwingen, wenn er zurück zur Erde sinkt. Das Talent ist vielleicht aus ihrer Kindheitsaufgabe entstanden, bei der sie ihre Stimme für Fernsehwerbespots manipulierte, aber es fühlt sich nicht karikaturistisch oder banal an. Lalita findet einen Ort zwischen Reibung und Harmonie und kreiert makabre Tracks mit dunkler, ritueller Stimmung. –Isabelia Herrera

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100 % Electronica

Man hat das Gefühl, dass das dynamische Leichentuch des elektronischen Trios Death alles, was sie großartig finden, in ihr Doppelalbum Darklife packen wollte: Vocal-Cutups im Burial-Stil, Drops in Skrillex-Größe, glitzernde Yellow Magic Orchestra-Synthesizer-Klänge, Streicherabschnitte aus dem Soap-Opera-Soundtrack, massiver Pop Melodien, Abschnitte belebender Abstraktion und Abrieb. Vocoder? Natürlich. Fretless-Bass und gedämpfte Trompete? Warum nicht. Ist das eine Kirchenglocke, die im Hintergrund läutet? Könnte sicherlich sein. Es scheint, dass alle Regler aller Synthesizer und Sampler ständig auf 10 gedreht sind. Ist es subtil? Nicht besonders. Ist es großartig? Absolut. –Andy Cush

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„The Gqom Trilogy“, eine Zusammenstellung mit 26 Songs des Elektroniklabels Hakuna Kulala, feiert drei Starproduzenten aus Südafrika – DJ Scriby, DJ Marillo und DJ Skothan –, die sich auf die kräftige House-Musik spezialisiert haben, die seit über einem Jahr aus den Townships von Durban sprudelt Jahrzehnt. Größtenteils mit Bootleg-Software produziert, ist ihr Gqom schroff und instinktiv, angetrieben von spuckenden Hi-Hats und unaufhörlich programmierten Vocals. Abhängig von der Position Ihres Lautstärkereglers versetzen Sie Titel wie „Shadow“, „The Night“ und „Ixhaphozi“ entweder in Trance mit großen Augen oder reißen Sie aus Ihrem Stuhl. –Madison Bloom

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Lassen Sie sich nicht vom Namen täuschen: Das selbstbetitelte Album des Chicagoer Gitarristen Eli Winter ist so etwas wie eine gemeinschaftliche Angelegenheit. Während sein flinkes akustisches Fingerpicking fast immer im Mittelpunkt steht, lässt Winter jedes Lied zu einem Gespräch werden und überlässt das Wort Gastmusikern wie Yasmin Williams, Ryley Walker, David Grubbs und in „Dayenu“ – einem Titel, der nach dem jüdischen Gebet benannt ist – die Jazzspielerin Jaimie Branch bei einem ihrer letzten aufgezeichneten Auftritte. Der kumulative Effekt ist warm und mehrdimensional: die Arbeit eines Künstlers, der versteht, dass im Zuhören ebenso viel Virtuosität steckt wie im Spielen. –Sam Sodomsky

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Der Londoner R&B-Sänger George Riley tritt auf „Running in Waves“, ihrem zweiten Album, hinter das Samtseil. In ihren eleganten und stilvollen Liedern dreht sich alles darum, sich auf das eigene emotionale Wohlbefinden einzustimmen: „Nur weil du all den Schmerz und die Schmerzen behältst, heißt das nicht, dass ich mich dafür entscheide, das Gleiche zu tun“, schimpft sie in „Delusion“. Unterstützt durch Streicher und klopfende Beats spielen die geschmackvollen Synthesizer-Skulpturen von Produzent Vegyn mit Rileys luftiger Stimme und bleiben dennoch sanft genug, um Umgebungsreflexionen hervorzurufen. Neben bekannteren Gefühlen wie „Jealousy“ und „Desire“ repräsentiert der Titeltrack Rileys Begriff für das demütigende Eingeständnis, dass niemand mehr für einen verantwortlich ist als man selbst. –Anna Gaca

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Der Baltimore-Produzent Infinity Knives und der Rapper Brian Ennals leben im Chaos einer gnadenlosen Welt. Auf ihrem zweiten gemeinsamen Album „King Cobra“ bilden die kakophonen und vielschichtigen Beats von Knives den Hintergrund, während Ennals das dekonstruiert, was er als Lügen und Propaganda um sich herum ansieht. „Zeit, Geld, Liebe, Geschlecht, nichts davon ist echt“, rappt er bei „Coke Jaw“, nennt die Nation of Islam anschließend „Feds“ und stellt sich in „Don't Let the“ als Joe Bidens Attentäter vor Sanfter Geschmack täuscht dich. King Cobra tanzt nicht nur auf Messers Schneide; es zieht Blut. –Dylan Green

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Weihrauch

„Random Girl“, das zweite Album des New Yorker Experimental-Popmusikers James K, fühlt sich himmlisch und höllisch zugleich an: Ks engelhafter, halltrunkener Gesang wird von strafenden Verzerrungswellen, schmuddeligen Gitarren und verzögerten Trommeln übertönt. Sie dekonstruiert Pop mit teuflischer Freude und bewegt sich von den ätherischen Riffs in „Life of a Fly“ bis zu den hämmernden Beats von „Nude Volvo“. „Random Girl“ bewegt sich auf einem eigenen Terrain zwischen Noisy-Pop, Industrial-Ambient und Shoegaze und ist ein abwechslungsreiches Album einer Musikerin, die schon immer schwer zu fassen war. –Arjun Srivatsa

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Joyface / Interscope

Die neueste EP der Sängerin Jenevieve aus Los Angeles verbindet strahlenden R&B mit House und Funk und verwendet gummiartige Synthesizer und entspannte Beats, um Geschichten über illegale Affären und stille Sehnsüchte zu untermalen. Das bittersüße „Candy Lies“ klingt wie eine verschwommene Clubsequenz in einem Film voller Glitzer und Schweiß, während die langsam brennenden Highlights „MDMA“ und „Love Quotes“ inmitten von Herzschmerz hart erkämpfte Unabhängigkeit finden. Unterstützt durch Jenevieves federleichte Stimme balanciert „Rendezvous“ mit Leichtigkeit seine tanzbaren Höhen mit zurückhaltenden Momenten. –Eric Torres

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Butter-Sessions

„Around the World“ ist ein frecher Titel für ein Dance-Album, aber die in Toronto geborene, in Melbourne verwurzelte und in London lebende Produzentin Jennifer Loveless hat sicherlich Anspruch darauf, wenn irgendjemand das tut. Ihre zweite Original-EP ist eine Mischung aus Disco, House und Techno, die sich nur schwer unter einem verbindenden Gefühl sonnendurchfluteter Euphorie zusammenfassen lässt. Der Titelsong baut sich allmählich zu einem kaleidoskopischen Brodeln auf; „Fall In Love“ ist neblig und nachdenklich; „Club Stomp“ ist ein gnadenloser Marsch, der einen Abstecher in melancholischen Piano-House macht. Stellen Sie sich „Around the World“ wie eine imaginäre Konzertkreuzfahrt vor: 36 strahlende Minuten lang ist es schwer vorstellbar, noch einmal Land berühren zu wollen. –Marc Hogan

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Die New Orleans-Singer-Songwriterin Julie Odell schmettert Noten, als wäre sie für jeden Kubikzentimeter ihrer Lunge dankbar. Während es diese kraftvolle Stimme ist, die einen zunächst in den Bann ihres Debütalbums zieht, ist es Odells Songwriting, das dem Album einen bleibenden Eindruck verleiht. Ihre Lieder verleihen kleinen Gesten überwältigende Emotionen, ähnlich wie das Öffnen eines handgeschriebenen Briefes dem Empfänger das Gefühl geben kann, neu gesehen zu werden. Von den herzlichen Akkordfolgen von „Caterpillar“ bis zum fast neunminütigen Schlussstück „Autumn Eve“ ist Odells Album ein idealer Soundtrack für zukünftige Momente der Offenbarung und Selbstentwicklung. –Nina Corcoran

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„Du hast gesagt, du würdest Hank stolz machen, aber alle deine Eimer haben Löcher drin“, singt Lou Turner auf „Empty Tame and Ugly“ und liefert ab ihrem dritten Song einen harten Dissidenten in einem leichten, lockeren Lied über Country-Männlichkeit Album, Mikrokosmos. Turner ist skeptisch gegenüber den hellsten Lichtern in ihrer Heimatstadt Nashville und richtet ihre Aufmerksamkeit stattdessen auf winzige Details und zarte Momente des täglichen Lebens. Gegen von Akustikgitarren geleitete Instrumentalstücke lässt sie weiches Brot, neugierige Hauskatzen und „Das Land der großen Köpfe“ gleichermaßen poetisch erscheinen. Mit Wärme und einem zwinkernden Lächeln vorgetragen, vermittelt jedes Lied die Befriedigung, einen Stein im Garten umzuwerfen und eine geschäftige Welt unter seiner Oberfläche zu entdecken. –Allison Hussey

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Reich

„Ich wollte, dass die Leute über mich denken, was ich über Future denke“, sagte Lucki 2019 zu Pitchfork. „Flawless Like Me“ markiert die erste Zusammenarbeit des Rappers aus Chicago mit seinem Superstar-Vorfahren, der im dekadenten und trägen „Kapitol Denim“ mitwirkt. Aber das Album, das auf das letztjährige „Wake Up Lucki“ folgt, ist ein hypnotisierendes, unablässig mürrisches Zeugnis von Luckis eigener hinterhältiger, singender Eingängigkeit. Seit fast einem Jahrzehnt perfektioniert er seinen verwundeten und benommenen Rap, und das Ergebnis ist so unwiderstehlich, dass Sie auf dem Heimweg vielleicht versehentlich stöhnen: „Ich vermische die Liebe mit Drogen, ich kann nicht genug bekommen, Codein in der Arterie.“ vom Schulabbruch. –Marc Hogan

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Apokalypse

Jichushka – benannt nach einem Kichwa-Wort, das „einsam“ oder „verlassen“ bedeutet – ist voller Momente irdischer Melancholie: Kreisförmige Gaita-Flöten flattern über industriellen Synthesizer-Stabs, die raue Klage eines Sängers schleift sich über den Klang einer Marimba. Das abendfüllende Debüt der Klangkünstlerin Mala Fama stützt sich auf die musikalischen Genealogien der Anden (Cumbia, Vallenato und andere Stile) und fordert uns auf, über antiquierte Visionen des indigenen Lebens und der Andenfolklore hinauszugehen. Teils politische Botschaft, teils kulturelle Neuinterpretation, ist das Album eine Einladung zur Vielfältigkeit, die auch Blitze heiterer Schönheit enthält. –Isabelia Herrera

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Der Flanger

Auf „Diner Coffee“ vereinen die Metal-Experimentalisten Mamaleek die wuchtige Kraft des Hardcore und die sternenklare Erhabenheit des Post-Rock, dazu die gebrochenen Rap-Rhythmen von J Dilla, die unheimliche Jazz-Pastiche von Angelo Badalamentis Twin Peaks-Partitur und die qualvollen Schreie eines Mannes einen sehr schmerzhaften Tod sterben. Man kann ihre Musik nicht beschreiben, ohne sich einer gewissen unüberlegten Genre-Triangulation hinzugeben. Aber die Bandbreite der Einflüsse näher zu erläutern, würde bedeuten, dass man Diner Coffee auf eine einfache Liste von Bezugspunkten reduzieren würde. Tatsächlich hat es ein wildes Eigenleben: Wenn Schrottplatz-Blues-Punk sich in brüchige Hip-Hop-Wendungen und Ersatz-Swing verwandelt, fallen diese Linkswendungen nicht wegen ihrer Schockwirkung auf, sondern wegen ihrer überraschenden Intuitivität, als wären sie die einzig Möglichen Wege, die die Musik hätte nehmen können. –Andy Cush

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Selbstveröffentlicht

Für Fans der 90er-Jahre-Drag-City-Stars Gastr del Sol ist diese Zusammenarbeit zwischen Sänger und Gitarrist John Hoegberg und Schlagzeuger Jonah Giuliano das Nächstbeste nach einer echten Wiedervereinigung von Jim O'Rourke und David Grubbs‘ verstorbenem, beklagten Post-Rock-Duo. Das Album fängt die gleichen spindeldürren Gitarrenfiguren, die gleiche Improvisationsausuferung, die gleiche unheimliche Fusion aus amerikanischem Folk, Free Jazz und klassischem Minimalismus ein. Hoegbergs Stimmton ähnelt sogar dem zurückhaltenden Singen von Grubbs. Aber „The Doctor Is Sick“ geht weit über bloße Nachahmung hinaus. Die fünf seitwärts verlaufenden Tracks des Duos aus Baltimore wirken wie in Zeit und Raum eingefrorene Momentaufnahmen von Gedanken – jeder Takt ein Standbild einer einzigen ununterbrochenen Bewegung, wie eines von Eadweard Muybridges galoppierenden Pferden. –Philip Sherburne

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In einem Jahr voller exzellenter Death-Metal-Veröffentlichungen zeichnen sich Phobophilic durch pure Handwerkskunst aus. Mit exquisiter Technik und instinktiver Energie gehen die Songs auf dem Debüt des Quartetts Fargo aus North Dakota unter die Haut. Riffs wie das, das „Survive in Obscurity“ eröffnet, wirken wie ein Adrenalinschub, und in jedem Song findet die Band neue Wege, den Schwung aufrechtzuerhalten und gleichzeitig überraschende Richtungen einzuschlagen. Ein Zitat von Albert Camus in den Liner Notes prognostiziert ihr existenzielles Unwohlsein – bestätigt durch Songtitel wie „The Illusion of Self“ und lyrische Zwickmühlen wie „Can there be true altruism/When you're looking for reward?“ – aber phobophilen Klang voller Energie und Inspiration durch die Suche. –Sam Sodomsky

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Two Centuries ist ein Dialog zwischen Meistern und ihrem Schüler. Der Komponist Qasim Naqvi studierte sowohl beim Trompeter Wadada Leo Smith als auch beim Schlagzeuger Andrew Cyrille am CalArts bzw. an der New School. Anstatt seine Lehrer als Sidemen zu engagieren, hebt er deren Fachwissen hervor. Smiths Horn erklingt golden und traurig beim Opener „For DF“ – benannt nach Darnella Frazier, der Frau, die den Mord an George Floyd aufzeichnete. Auf „Bypass Decay“ klingen Cyrilles zarte Percussion-Stufen wie vom Wind bewegte Glockenspiele. Das Ergebnis ist ein subtiles, aber tiefgründiges Gespräch. –Madison Bloom

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Echter Lifer

Reace Sosa kommt aus West Palm Beach, Florida, aber Big Zap hat so viele Einflüsse von außerhalb des Bundesstaates, dass es schwierig sein könnte, seine Wurzeln zu bestimmen. Auf „Bout Whatever“ interpretiert er einen gleichnamigen Titel der Hot Boys aus New Orleans neu; Die schräge Basslinie von „Kay Flock“ hat ernsthafte No-Limit-Vibes, auch wenn der Song nach einem Drill-Rapper aus der Bronx benannt ist. Ein Skeptiker könnte sagen, dass er einfach alles mitbringt, was angesagt ist, aber die Art und Weise, wie er diese Stile mit seinem Südflorida-Stil und seinen naturalistischen Melodien verbindet, lässt mich anders denken. –Alphonse Pierre

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Glasnotiz

Die Musik der mexikanischen Sängerin Silvana Estrada entspringt mehreren Traditionen: Klassik (ihre Eltern waren beide Gitarrenbauer), Jazz (sie studierte ihn am Konservatorium) und Son Jarocho, eine fröhliche und gemeinschaftliche mexikanische Volksmusik. Aber all diese Geschichte löst sich im Sonnenlicht ihres hypnotisierenden Gesangs auf, der einfache Melodien als Startrampen für geschmeidige Gesangsläufe nutzt, und im zarten Klang ihres viersaitigen venezolanischen Cuatro. Abrazo strahlt Leichtigkeit aus, doch bei genauerem Hinhören erkennt man, dass sich unter der glatten Oberfläche Muskeln und Sehnen bündeln. Es ist die Art von Musik, die kaum Kontext oder Erklärungen erfordert, um sie zu fesseln: Estradas Musik passiert einfach den Raum, stoppt das Heben von Kaffeetassen mitten im Schluck, bricht Gespräche ab und erhellt jeden Raum, den sie betritt. –Jayson Greene

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Welten / Unsolid

Die Komponistin Sofie Birch und die Sängerin Antonina Nowacka sind eine kosmische Verbindung. Für ihren ersten gemeinsamen Auftritt improvisierten die beiden Künstler eine üppige Ambient-Klanglandschaft, eine Übung, die sich schließlich zum elysischen Languoria entwickeln sollte. Während der gesamten Platte atmen und schwellen Birchs Synthesizer mit Nowackas unheimlicher Stimme an und verändern Harmonien und Klangfarben in meditativen Wellen. Jeder Track zeichnet eine andere Szene; Der herausragende „Geor Lu“ fühlt sich an wie eine Wolkenspur, die in einem Glas gefangen ist. Mit jedem Stück lädt Languoria Sie von der Erde weg und in die himmlische Welt des Duos ein. –Jane Bua

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Suzi Analogue produziert nicht nur für Rapper wie Knxwledge und Quelle Chris, sondern hat auch über ein Jahrzehnt als DJ damit verbracht, High-Speed-Footwork, Drum'n'Bass und Hip-Hop zu einer treibenden Fusion zu vereinen. Infinite Zonez ist eine Zusammenstellung von Material aus drei Jahren und stellt die besten Arbeiten von Analogue zu einem fluoreszierenden Mix zusammen, „zusammengefügt in einer benommenen Welt“, wie sie sagt, „in der die Achse systemischer Unterdrückung routinemäßig junge, nicht reiche schwarze Frauenstimmen zum Schweigen bringt.“ ." Das Tempo ändert sich durchgehend wie Treibsand und macht Platz für herausragende Gaststrophen von Junglepussy, RP Boo und anderen. Es ist eine elegante Vision eines frei gestalteten, futuristischen Clubs nach dem Vorbild von Analogue. –Eric Torres

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lovegamerecords

Takas Theorie hat ein gewisses Gewicht; Dicke Luft sammelt sich zu einer schweren, höhlenartigen Atmosphäre, die von scharfen Schlägen durchzogen wird. Die Platte stellt den Versuch des in New York lebenden Künstlers dar, verschiedene Arten elektronischer Musik wie IDM und Ambient zu erforschen, und obwohl seine Instrumente anorganisch sein mögen, verkörpern sie Eigenschaften von Lebewesen: Snares zwitschern wie flatternde Wesen auf „1002“ und Kicks knurren von Ohr zu Ohr über „Zugriff gewährt“. Die Platte fühlt sich an wie ein Ökosystem. –Arjun Srivatsa

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Als das Label Sahel Sounds 2011 „Music for Saharan Mobiles“ zusammenstellte, bezog sich der Titel auf das beliebte DIY-Musiknetzwerk der westafrikanischen Sahel-Wüste, wo Hörer Musik über Bluetooth, Speicherkarten oder WhatsApp austauschen. Mehr als ein Jahrzehnt später versammelt die neueste Zusammenstellung von Sahel Sounds faszinierende Live-Auftritte, die im Rahmen eines offenen Aufrufs im Jahr 2020 über die titelgebende Chat-App an das Label gesendet wurden. Zu seinen Schätzen zählen Beiträge des Familienkollektivs Etran de L'Aïr, des Elektronikkünstlers Hama und Les Filles de Illighadad-Gitarristin Amaria Hamadalher, die jeweils unterschiedliche Interpretationen des himmelsgleichen Wüstenblues mitbringen. –Jenn Pelly

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